Origen del mercado del arte contemporáneo

Hasta ahora hemos dicho que los orígenes del mercado son muy antiguos, pero en verdad para hablar de un mercado libre , aquel basado en el sistema de galerías privadas, que corresponde a la estructura actual del mercado del arte contemporáneo, tenemos que remontarnos al siglo XIX. Es necesario, pues, dar un paso atrás y examinar las circunstancias de su nacimiento y desarrollo, que se construyeron sobre las bases de una nueva y radical transformación y revolución en las concepciones del arte a finales del siglo XIX. Nos referimos, pues, de nuevo a mediados del siglo XVII, período que presenció el nacimiento de un monopolio aún más restrictivo y rígidamente estructurado, por así decirlo, que los anteriores: el de las academias de arte . Fundadas con el objetivo de legitimar oficialmente la validez de la producción artística, estas instituciones la controlaron eficazmente hasta la segunda mitad del siglo XIX. Examinemos el modelo francés en particular. 1648 fue el año en que se fundó la Académie Royale de Peinture et Sculpture en París, el organismo de reconocimiento institucional más influyente. Organizaba exposiciones anuales, los Salones , cuya participación o exclusión determinaba la carrera completa de los artistas, sus posibilidades de afirmación y su éxito comercial. El jurado estaba compuesto por académicos, profesores de la École des Beaux-Arts y el director de la Academia Francesa en Roma (la capital del arte antiguo y clásico). La aceptación de las obras por parte de este jurado dependía de su conformidad con la teoría estética clásica, que la institución pretendía defender y preservar. Los artistas alineados con los cánones académicos recibían premios en los Salones y encargos para crear obras públicas, y sus obras se proponían a instituciones públicas y museos para su compra. Si además tenemos en cuenta que el estatuto de la Academia prohibía a los artistas oficiales comercializar directamente sus propias obras, nos damos cuenta del control total que ejercía tanto sobre el contenido de las obras como sobre su comercialización. Por lo tanto, el mercado, que se había desarrollado increíblemente en los siglos XVI y XVII, como se mencionó anteriormente, no era un mercado libre, sino que estaba fuertemente restringido por estas instituciones, lo que, además, combinado con el enfoque conformista de la crítica y el gusto dominante del público de clase media-alta, impidió el surgimiento de una producción artística innovadora. Una producción artística regulada oficialmente, regulada y limitada estaba inextricablemente ligada a un mercado oficial igualmente regulado y, en consecuencia, limitado. Esta situación comenzó a cambiar en la segunda mitad del siglo XIX , con la aparición de los ideales románticos sobre los clasicistas. Y fue precisamente Francia la que lideró esta transformación, que vio el nacimiento y desarrollo de exposiciones independientes organizadas por los propios artistas, por un lado, y un nuevo tipo de galería privada, por otro. Empezando por las exposiciones, recordemos brevemente que 1855 fue el año de la Exposición Universal de París, que incluyó obras de artistas de veintiocho países, así como pinturas rechazadas por el jurado del Salón. Mientras tanto, en 1863 se celebró el Salón de los Rechazados, la primera (y única) exposición dedicada íntegramente a artistas excluidos del Salón oficial. Hay que tener presente que entre los artistas innovadores de la última generación, maltratados y excluidos de los circuitos oficiales, había nombres como el de Cézanne (que intentaba cada año enviar sus obras al Salón sin ser nunca aceptadas) y como el de los impresionistas, que fueron de los primeros en exigir y perseguir su independencia frente a la supremacía académica, constituyéndose así en un movimiento revolucionario de reacción a la situación dominante (basta pensar que el término "impresión" fue utilizado por primera vez en 1874 [1] con un sentido irónico y negativo para describir sus obras). Después de estas primeras iniciativas, más o menos exitosas, nació en 1884 un verdadero salón alternativo: el Salón de los Artistas Independientes, organizado por la Société des Artistes Indépendants, que no preveía ni premios ni jurado. El Salón de Átomo, fundado en 1903, contó en esta ocasión con un jurado, cuyo objetivo específico era moldear el gusto del público y los coleccionistas, orientándolos hacia las tendencias innovadoras del arte contemporáneo. Este evento, de gran éxito, albergó exposiciones de importancia histórica, como las de los fauvistas y los cubistas, así como una retrospectiva de Cézanne. Pero volvamos a los impresionistas para subrayar la importancia de su movimiento, pues inaugura la creación de un arte de vanguardia , es decir, del modernismo , una revolución estética en el lenguaje pictórico, pero también la creación de un mercado alternativo , compuesto por galerías privadas que, mediante nuevas estrategias comerciales y promocionales, tuvieron que inventar un nuevo mercado acorde con el nuevo arte. La colaboración con Paul Durand Ruel (1870) marca la aparición del primer marchante verdaderamente moderno, un innovador tanto en sus elecciones artísticas como en sus estrategias comerciales y críticas. El nuevo sistema comercial de Ruel, que posteriormente se convertiría en el modelo del nuevo mercado internacional de vanguardia, consiste en:

• en la valorización de un nuevo arte aún no demandado por el mercado;

· en el monopolio de la producción artística, con el fin de controlar los precios; · en la promoción de artistas mediante la organización de exposiciones personales (incluso en el extranjero para darles una dimensión internacional) y mediante la fundación de revistas para la difusión de información. Finalmente, mencionemos a dos marchantes más célebres que adoptaron las enseñanzas de Ruel y continuaron su legado: Ambroise Vollard y Daniel Kahnweiler. Uno fue el principal marchante de Gauguin y Cézanne, pero también de Degas, Renoir, Van Gogh, Matisse y Picasso, y el otro fue un marchante cubista, reconocido por su gran contribución a la apreciación crítica de sus artistas mediante colaboraciones con escritores y poetas de renombre (como Apollinaire y Max Jacob), y por ampliar los contactos entre coleccionistas, críticos y marchantes. Con estos desarrollos, llegamos a la década de 1910, y la historia del mercado parisino continúa, alcanzando su plena madurez en la década de 1920 y creciendo aún más en las décadas de 1930 y 1940. Estos mismos años presenciaron la formación y transformación de varios centros de mercado en toda Europa, como Londres, Berlín y Bruselas. Si nos detenemos en la historia del mercado parisino , es porque jugó un papel particularmente significativo, primero en la ruptura de ciertas fronteras y luego en el liderazgo del mercado mundial. París en esta etapa era la cuna del arte, la capital del modernismo (la mayoría de los artistas modernos, como es bien sabido, vivieron y trabajaron en París: de Picasso a Matisse, de Braque a Léger, de Gris a Derain, etc.). Retrocedamos un poco y señalemos que 1914, en particular, marcó un punto de inflexión en Francia: el rotundo éxito de la subasta de una colección de arte de vanguardia atestiguó el interés de un amplio público de la alta sociedad (y ya no solo de un reducido círculo de aficionados). La sociedad burguesa identificó el valor del arte de vanguardia con el dinamismo de la modernidad, que contrastaba con lo pasado, obsoleto y obsoleto. El nuevo hecho social fue que la clase dominante reconoció los valores representados por el nuevo arte y se los apropió. Pero en este punto, la historia se repite, porque el increíble éxito social y comercial del arte contemporáneo desencadenó una nueva reacción de la nueva generación de artistas de vanguardia de la posguerra: los dadaístas y los surrealistas . Sus movimientos se caracterizaron por una postura política revolucionaria, una crítica radical a los valores de la sociedad burguesa y la oposición a la mercantilización del arte. Fue precisamente esta necesidad de revivir el espíritu vanguardista lo que los impulsó a buscar un mercado aún más alternativo, autogestionado y autopromocionado. Pero, irónicamente, ellos mismos se convirtieron en artistas de éxito en un mercado aún más amplio e internacional. De hecho, durante la Segunda Guerra Mundial, debido a sus posturas políticas, se vieron obligados a huir, casi en masa, a Estados Unidos, donde fueron recibidos con gran entusiasmo tanto por los galeristas que amasaron su fortuna (especialmente Peggy Guggenheim) como por las generaciones más jóvenes de artistas estadounidenses profundamente influenciados por ellos (y estamos hablando de artistas como Pollock, Rothko y su círculo). Hemos hablado de Francia hasta ahora por las razones mencionadas, pero no podemos evitar mencionar brevemente la situación alemana, que fue particularmente importante en el contexto del modernismo europeo. (Dejaremos el análisis del lado italiano para más adelante, ya que, al ser el que más nos interesa, merece una discusión aparte para profundizar en él). En Alemania, el arte de vanguardia se desarrolló a partir de la década de 1910 con características propias, representado fundamentalmente por el expresionismo alemán de artistas como Kirchner, Schmidt-Rottluff, Nolde, Macke y Marc, el arte abstracto de Kandinsky y Klee, y la Bauhaus. Fue un panorama vibrante hasta el auge del nazismo, que comenzó a perseguir el arte de vanguardia, al que tildó de «degenerado», y a sus creadores. Un ejemplo emblemático fue la organización de una exposición de propaganda negativa que recorrió una docena de ciudades alemanas entre 1937 y 1941, presentando aproximadamente seiscientas obras requisadas por los nazis. Tras la Segunda Guerra Mundial, Nueva York (que hasta entonces se había limitado esencialmente a la reventa de arte europeo, sin haber desarrollado aún una forma de arte autóctona original) comenzó a convertirse en el centro mundial del arte contemporáneo, reemplazando a París como la principal forma de arte mundial. El sistema de galerías se desarrolló junto con el surgimiento de tendencias de vanguardia, marcando la transición del modernismo al arte contemporáneo propiamente dicho, como el expresionismo abstracto (décadas de 1940 y 1950), el minimalismo, el arte pop (década de 1960), que alcanzó éxito internacional con la concesión del Premio Rauschenberg en la Bienal de Venecia de 1964, y posteriormente el arte procesual y conceptual, en sus diversas variantes. Las vanguardias europeas de los años 50 en el centro del mercado parisino eran esencialmente el Informalismo y el Nouveaux Réalisme, que también eran fenómenos artísticos muy importantes pero que, sin embargo, no parecen haber resistido la comparación con las tendencias americanas contemporáneas, apoyadas por un mercado que se había vuelto mucho más vital y apoyado por el propio gobierno (!), que utilizó estratégicamente el nuevo arte para afirmar una supremacía cultural, así como económica y militar, sobre Europa. Desde la posguerra, el movimiento artístico estadounidense no se detuvo. Para comprender la magnitud del fenómeno, basta con considerar que en la década de 1970 existían más de doscientas galerías concentradas en un solo barrio neoyorquino, el Soho, ¡y más de setenta revistas dedicadas al arte contemporáneo! Las décadas de 1980 y 1990 presenciaron el increíble fenómeno de la historicización instantánea de nuevas estrellas, que permitió a jóvenes artistas alcanzar un éxito inmediato y precios astronómicos. Hoy en día, los precios de los artistas estadounidenses vivos alcanzan cifras vertiginosas, inalcanzables para los artistas europeos. Los centros más importantes del mercado a nivel mundial: Nueva York es actualmente el centro del sistema de arte contemporáneo, y los artistas apoyados por las galerías de este mercado son los más valorados. El segundo mercado más grande es el inglés, con sede en Londres. El mercado alemán también es muy fuerte en Europa. Pero es fundamentalmente a lo largo del eje Nueva York-Londres donde los modelos de referencia se imponen con mayor capacidad de penetración cultural y económica. [1] Louis Leroy en Le Charivari , 25 de abril de 1874