Gino De Dominicis
Il mistero circonda la vita di Gino De Dominicis, sia come uomo sia come artista e la sua stessa morte è avvolta nell'oscurità. Personaggio sopra le righe, ha vissuto oltre ogni regola e ordine, isolato da qualunque corrente artistica, ha scelto di restare ancorato solo a se stesso.Amante del gioco d'azzardo che lo porta a vivere più di notte che di giorno, ha creato intorno alla sua figura una sorta di leggenda, ma senza mai permettere che qualcosa di questa sua vita potesse essere documentato da libri o fotografie, tanto quanto per le sue opere, che ricomprava per poi distruggerle. De Dominicis ha sviluppato la sua poetica tra la fine degli anni sessanta e la fine degli anni settanta, indirizzando la sua filosofia sulla temporalità dei fatti, sull'immortalità del corpo, sugli oggetti invisibili (ladicotomia presenza/assenza), sul mistero della creazione e dell'esistenza umana (reso esplicito nel suo interesse per la civiltà sumera). Dagli anni ottanta si dedica maggiormente alla pittura, soprattutto tempera e matita su tavola, facendo di alcuni elementi visivi i suoi segni tipici:uomini con lunghi nasi, donne-proboscidi, corpi deformi con piccole mani ed enormi crani, ombre maestose,quasi a sfiorare il grottesco. Il suo messaggio, spesso così indecifrabile, è rivolto a sottolineare la centralità dell'arte che, tramite l'opera, diventa creazione e mistero. Quest'aura enigmatica si ritrova anche nei toni cromatici e compositivi del primo quadro figurativo di De Dominicis, Io a Roma (1986), contrassegnato da una figura sulla destra e dall'obelisco di piazza del Popolo sulla sinistra sovrastato dalla luna piena. Roma è la sua città di adozione, è la città eterna per eccellenza che, proprio per questa sua unicità immortale, l'artista ha amato sopra ogni cosa.
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Vanessa Silva: l’energia del colore tra pittura e porcellana
Il percorso artistico di Vanessa Silva nasce dall’incontro tra manualità, natura ed energia. Dalla pittura acrilica alla decorazione della porcellana, la sua ricerca attraversa tecniche e linguaggi differenti, uniti dal desiderio di trasformare emozioni e percezioni interiori in forme visibili. Nelle sue opere, il colore non svolge una funzione esclusivamente estetica: diventa materia viva, movimento e strumento attraverso cui raccontare una relazione profonda con il mondo naturale e con quella dimensione invisibile che l’artista riconosce come origine di ogni cosa. Un’infanzia tra natura, argilla e lavori manuali Le radici della ricerca artistica di Vanessa Silva risalgono alla sua infanzia in campagna. A sette anni impara dalla madre e dalla nonna a ricamare e lavorare all’uncinetto, avvicinandosi precocemente alla precisione del gesto, alla pazienza e alla costruzione della forma. Accanto ai tessuti c’è la terra. Sulle rive del fiume modella piccole sculture di argilla, sperimentando spontaneamente il rapporto tra le mani e la materia. Anche i giochi infantili rivelano già una particolare sensibilità estetica: gli abiti realizzati per le bambole diventano sontuosi e fiabeschi, espressione di un immaginario orientato alla bellezza. Queste esperienze non rappresentano soltanto un ricordo biografico, ma costituiscono il primo nucleo della sua poetica. La cura del dettaglio, il contatto con gli elementi naturali e il piacere della trasformazione manuale continueranno infatti a riemergere nelle diverse fasi della sua produzione. Dalla moda alla scoperta della pittura A quindici anni Vanessa Silva si trasferisce in Italia ed entra nel mondo della moda, lavorando come modella e viaggiando in diversi Paesi. Il contatto con immagini, abiti e codici estetici amplia il suo sguardo, senza però esaurire la necessità di trovare un linguaggio più intimo e personale. La svolta arriva attraverso un sogno nel quale si vede dipingere su una tela grande quanto una parete. Quell’immagine diventa l’inizio concreto di un nuovo percorso: acquista tele, colori e pennelli e frequenta un corso di natura morta al Castello Sforzesco di Milano. Successivamente partecipa al concorso “Leonardo Da Vinci” di Firenze, in occasione del quale viene segnalata dalla rivista Art Now come artista promettente. È un primo riconoscimento all’interno di un cammino ancora in evoluzione, nel quale la sperimentazione tecnica procede insieme alla ricerca di una voce personale. La pittura come espressione dell’energia Nella pittura di Vanessa Silva convivono astrazione e figurazione. Le tele astratte sono attraversate da sovrapposizioni cromatiche, colature e segni che suggeriscono l’espansione di un’energia in continuo movimento. Il blu profondo, i contrasti luminosi e il dripping trasformano la superficie pittorica in uno spazio in cui sembrano incontrarsi atomi, vibrazioni e paesaggi interiori. Il gesto appare libero e immediato, ma mantiene un equilibrio capace di guidare lo sguardo attraverso la composizione. Anche quando emerge un soggetto riconoscibile, la rappresentazione non è mai soltanto descrittiva. Nel dipinto dedicato al cavallo, per esempio, la figura dell’animale si scompone attraverso pennellate materiche, linee e campiture geometriche. Il colore non definisce semplicemente il corpo, ma ne amplifica il movimento e la forza vitale. L’artista non cerca quindi una riproduzione fedele della realtà. Attraverso l’acrilico, il segno e la materia, prova piuttosto a rendere percepibile ciò che non può essere osservato direttamente: l’energia, la tensione emotiva e il movimento interiore. Il colore come spazio di serenità Alla base della ricerca di Vanessa Silva vi è la convinzione che ogni elemento dell’universo sia attraversato da un flusso energetico. La pittura diventa così uno strumento per entrare in relazione con questa dimensione e tradurla in immagini. Le opere nascono nei momenti in cui l’artista si sente serena e felice. La creazione non viene vissuta come espressione del dolore, ma come condivisione di uno stato positivo. Il colore assume quindi una funzione emotiva: accoglie lo spettatore e gli offre uno spazio di armonia, apertura e sospensione. Questa concezione permette di leggere le tele come luoghi nei quali l’esperienza personale dell’artista incontra quella di chi osserva. L’opera non impone un significato unico, ma invita a rallentare e a lasciarsi attraversare dalla materia cromatica. La scoperta della pittura su porcellana Nell’ottobre del 2020 Vanessa Silva scopre casualmente un laboratorio di decorazione della porcellana in una strada del centro di Milano. L’incontro con questa tecnica segna l’inizio di una nuova fase del suo percorso. La porcellana richiede precisione, pazienza e una conoscenza attenta dei tempi di lavorazione e cottura. L’artista ritrova così quella dimensione della cura appresa durante l’infanzia attraverso il ricamo e l’uncinetto. Nei vasi decorati, i motivi naturali e fitomorfi mettono in relazione la delicatezza del segno con la preziosità del supporto. Una pratica antica viene reinterpretata attraverso una sensibilità contemporanea, nella quale la decorazione non è un semplice ornamento, ma parte integrante dell’identità dell’opera. Rispetto alla libertà gestuale delle tele, la pittura su porcellana richiede un controllo differente. Le due tecniche, tuttavia, non sono in opposizione: rappresentano due modi complementari di trasformare il colore in esperienza, alternando spontaneità e precisione, impulso e pazienza. Un ritorno alla materia Il desiderio di realizzare sculture in porcellana da dipingere rappresenta una possibile evoluzione della ricerca di Vanessa Silva. È anche un ritorno ideale alle forme modellate con l’argilla sulle rive del fiume durante l’infanzia, ora affrontate con una maggiore consapevolezza tecnica e artistica. Pittura, decorazione e scultura non costituiscono quindi esperienze separate, ma differenti manifestazioni dello stesso percorso. In ciascuna di esse, l’artista cerca di rendere visibile un’energia interiore attraverso la materia. L’arte di Vanessa Silva nasce così da un movimento circolare: parte dalla natura e dalla manualità dell’infanzia, attraversa la moda, la pittura astratta e la figurazione, per ritrovare infine la concretezza e la delicatezza della porcellana. Un percorso nel quale il sogno diventa immagine, il colore si fa energia e la creazione assume il valore di un gesto di cura. Scopri le opere di Vanessa Silva disponibili su Venderequadri.
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Pino Pinelli: vita, opere e ricerca del maestro della Pittura Analitica
Pino Pinelli è stato uno dei maggiori protagonisti della Pittura Analitica italiana. Attraverso il colore, la materia e la frammentazione della superficie, l’artista ha superato i confini tradizionali del quadro, trasformando la pittura in una presenza fisica capace di dialogare con lo spazio. Chi era Pino Pinelli Pino Pinelli, all’anagrafe Giuseppe Pinelli, nasce a Catania nel 1938. Dopo la prima formazione in Sicilia, nei primi anni Sessanta si trasferisce a Milano, città allora attraversata da un’intensa stagione di sperimentazione artistica. Nel capoluogo lombardo entra in contatto con un ambiente culturale animato dalle ricerche di artisti come Lucio Fontana, Piero Manzoni, Enrico Castellani e Agostino Bonalumi. Queste esperienze contribuiscono alla maturazione di un linguaggio personale, fondato sull’analisi degli elementi essenziali della pittura: il colore, la materia, la superficie e lo spazio. Nel 1968 presenta la sua prima mostra personale alla Galleria Bergamini di Milano. Durante gli anni Settanta la sua ricerca si sviluppa nell’ambito della Pittura Analitica, corrente che pone al centro dell’opera non la rappresentazione della realtà, ma la riflessione sul fare pittorico. Pino Pinelli muore a Milano nel 2024, lasciando un percorso artistico durato oltre cinquant’anni e un contributo fondamentale alla storia dell’arte contemporanea italiana. Pino Pinelli e la Pittura Analitica Per comprendere l’arte di Pino Pinelli è necessario partire dalla Pittura Analitica, una delle esperienze più significative sviluppatesi in Italia negli anni Settanta. Gli artisti legati a questa corrente tornano a interrogarsi sulla natura stessa della pittura. Al centro della loro ricerca non ci sono figure, paesaggi o narrazioni, ma gli elementi che costituiscono materialmente un dipinto: il supporto, il colore, la superficie, il gesto e il processo di realizzazione. Pino Pinelli partecipa a questa riflessione con un approccio profondamente personale. Le sue opere sono aniconiche, cioè prive di immagini riconoscibili, ma non per questo fredde o puramente geometriche. La materia appare viva, irregolare e attraversata da vibrazioni, increspature e variazioni luminose. Il colore non viene impiegato per descrivere qualcosa: diventa esso stesso il soggetto dell’opera. Dalle Topologie ai Monocromi All’inizio degli anni Settanta Pino Pinelli concentra la propria attenzione sulla superficie pittorica. Nascono così le serie delle Topologie e, successivamente, dei Monocromi. In queste opere il rettangolo tradizionale della tela è ancora presente, ma la superficie non appare mai immobile. Il colore, steso attraverso successive velature, produce leggere variazioni e tensioni percettive. La pittura sembra respirare e trasformarsi a seconda della luce e del punto di osservazione. Questa fase costituisce un passaggio decisivo nella ricerca dell’artista. Pinelli non considera più il quadro come uno spazio destinato a contenere un’immagine, ma come un corpo dotato di consistenza, profondità e autonomia. Progressivamente anche i confini della tela diventano insufficienti. La pittura inizia così a oltrepassare il proprio supporto e a entrare direttamente nello spazio. La disseminazione: quando la pittura esce dal quadro La svolta più riconoscibile nella produzione di Pino Pinelli avviene nella seconda metà degli anni Settanta, quando l’artista frammenta la superficie del quadro in più elementi separati. Nasce la cosiddetta disseminazione, uno dei concetti centrali della sua arte. Il tradizionale rettangolo della tela scompare e l’opera si compone di diversi elementi materici collocati direttamente sulla parete. Questi frammenti possono seguire un andamento lineare, curvo o apparentemente irregolare, estendendosi nello spazio e coinvolgendo l’ambiente circostante. La parete non è più un semplice supporto sul quale appendere il quadro, ma diventa parte integrante dell’opera. Anche il vuoto tra un elemento e l’altro acquista valore: crea ritmo, tensione e movimento. Con la disseminazione, Pinelli mette in discussione la distinzione tra pittura, scultura e installazione. Le sue opere rimangono pittoriche per il ruolo centrale attribuito al colore, ma possiedono anche il volume e la presenza fisica della scultura. Materia, colore e superficie nelle opere di Pino Pinelli Le opere di Pino Pinelli sono caratterizzate da una forte componente materica. Le forme presentano superfici dense e tattili, spesso attraversate da segni, rilievi e increspature. L’artista sviluppa una particolare tecnica mista attraverso la quale materiali diversi vengono amalgamati e successivamente ricoperti dal colore. Il risultato è una sorta di pelle pittorica, morbida alla vista e capace di assorbire o riflettere la luce in modi differenti. Pur avendo lavorato con diverse tonalità, Pinelli è conosciuto soprattutto per le sue composizioni monocrome. Il rosso, il nero, il bianco, il giallo e il blu assumono una presenza intensa e autonoma. Il colore non svolge una funzione decorativa e non riempie semplicemente una forma. È una sostanza viva che rende visibile la struttura dell’opera e ne modifica la percezione. Anche i bordi irregolari sono importanti: allontanano le forme dalla precisione industriale e restituiscono il senso di una materia lavorata, sensibile e in continua tensione. Come riconoscere un’opera di Pino Pinelli Le opere di Pino Pinelli possono assumere forme differenti, ma presentano alcuni elementi ricorrenti: l’assenza di immagini figurative; l’uso intenso e spesso monocromatico del colore; la presenza di superfici materiche e tattili; i margini irregolari; la scomposizione dell’opera in più elementi; il rapporto diretto tra pittura, parete e spazio; la ricerca di equilibrio tra rigore geometrico e vitalità della materia. Non tutte le sue opere sono necessariamente composte da numerosi frammenti. Alcuni lavori presentano due o pochi elementi ravvicinati, mentre altri si sviluppano attraverso articolate sequenze distribuite sulla parete. Ciò che rimane costante è la volontà di trasformare la pittura in una presenza concreta, capace di modificare lo spazio nel quale viene collocata. Perché l’arte di Pino Pinelli è ancora attuale La ricerca di Pino Pinelli conserva una forte attualità perché affronta una domanda ancora centrale nell’arte contemporanea: dove finisce il quadro e dove comincia lo spazio? Le sue opere superano le categorie tradizionali. Sono pittura per l’importanza del colore, scultura per la loro consistenza fisica e installazione per il rapporto che stabiliscono con la parete e con l’ambiente. Questa capacità di attraversare linguaggi differenti rende il suo lavoro riconoscibile e, allo stesso tempo, aperto a nuove interpretazioni. La riduzione degli elementi non conduce infatti a una pittura fredda o impersonale: nelle superfici rimangono il gesto, l’irregolarità e la sensibilità della materia. L’apparente essenzialità delle composizioni invita a osservare con attenzione le variazioni della luce, le distanze tra le forme e il modo in cui il colore cambia nello spazio. Pino Pinelli nel panorama dell’arte contemporanea Nel corso della sua lunga carriera, Pino Pinelli ha esposto in numerose gallerie, musei e istituzioni italiane e internazionali. Nel 1986 partecipa alla XLII Biennale d’Arte di Venezia e alla XI Quadriennale di Roma. Le sue opere sono state incluse in importanti rassegne dedicate all’astrazione, alla pittura contemporanea e alle ricerche artistiche sviluppatesi in Italia a partire dagli anni Sessanta e Settanta. Oggi Pino Pinelli è considerato una figura di riferimento della Pittura Analitica italiana. Il suo lavoro continua a essere studiato ed esposto perché rappresenta uno dei tentativi più coerenti e originali di ridefinire il rapporto tra pittura, materia e spazio. Collezionare le opere di Pino Pinelli Le opere di Pino Pinelli suscitano l’interesse di collezionisti attenti all’arte italiana del secondo Novecento e alle ricerche astratte e analitiche. Nella valutazione di un’opera è importante considerare diversi aspetti: l’anno di realizzazione, le dimensioni, la tecnica, lo stato di conservazione, la provenienza, l’eventuale storia espositiva e la presenza di documentazione o certificazione. Anche la fase della ricerca alla quale appartiene il lavoro può incidere sul suo interesse storico e collezionistico. Le opere devono quindi essere analizzate singolarmente, evitando valutazioni basate esclusivamente sul nome dell’artista o sul formato. Acquistare un’opera di Pino Pinelli significa avvicinarsi a un capitolo fondamentale dell’arte contemporanea italiana: una ricerca nella quale il colore smette di rappresentare il mondo e diventa esso stesso materia, corpo e spazio. Scopri le opere di Pino Pinelli disponibili su Venderequadri.it.
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Dieci anni dal terremoto del Centro Italia: Arquata del Tronto e l’arte della memoria
A dieci anni dal terremoto del Centro Italia del 2016, il ricordo passa anche attraverso l’arte. “Il coraggio non trema, Arquata del Tronto” di Giuseppe Fuschi restituisce il volto ferito di uno dei luoghi simbolo del sisma, trasformando il disegno in testimonianza di resistenza e memoria. 24 agosto 2016: il terremoto che colpì il Centro Italia Alle 3:36 del 24 agosto 2016, una scossa di magnitudo 6.0 colpì l’Appennino centrale. L’epicentro fu localizzato nei pressi di Accumoli, in provincia di Rieti, ma gli effetti interessarono un territorio molto più vasto. Tra i centri più duramente colpiti ci furono Amatrice, Accumoli e Arquata del Tronto. Quella notte segnò l’inizio di una lunga sequenza sismica che interessò il Centro Italia anche nei mesi successivi. Il terremoto provocò 299 vittime e causò danni gravissimi a interi paesi e a un patrimonio storico e culturale costruito nel corso dei secoli. A dieci anni di distanza, il 24 agosto 2026 riporta inevitabilmente alla memoria le persone, i luoghi e le comunità segnate da quella tragedia. Arquata del Tronto: il volto di un luogo ferito Tra i luoghi diventati simbolo del terremoto del 2016 c’è Arquata del Tronto, comune marchigiano in provincia di Ascoli Piceno. Il sisma ne modificò profondamente il paesaggio. Edifici, strade e luoghi familiari furono distrutti o gravemente danneggiati, alterando l’immagine di un territorio e il rapporto della comunità con i propri spazi. Ma quando cambia il volto di un luogo, ciò che rimane non appartiene soltanto alla sua dimensione fisica. Rimangono le immagini, i racconti, le testimonianze e la memoria di ciò che quel luogo è stato. Ed è proprio qui che l’arte può assumere un ruolo particolare: non ricostruire ciò che è andato perduto, ma conservarne e interpretarne la memoria. Quando l’arte diventa memoria Il rapporto tra arte e memoria attraversa la storia. Gli artisti hanno raccontato guerre, catastrofi, trasformazioni sociali ed eventi collettivi non soltanto per documentarli, ma per restituirne una visione personale. Un’opera non è necessariamente una cronaca. Può fermare un’immagine, interpretare una ferita, trasformare un'esperienza collettiva in un linguaggio capace di attraversare il tempo. Quando il soggetto è un luogo segnato da un evento traumatico, anche il paesaggio può cambiare significato. Non è più soltanto la rappresentazione di uno spazio: può diventare testimonianza, assenza, presenza e memoria. È in questa prospettiva che possiamo osservare l’opera di Giuseppe Fuschi dedicata ad Arquata del Tronto. Giuseppe Fuschi, “Il coraggio non trema, Arquata del Tronto” “Il coraggio non trema, Arquata del Tronto” è un’opera di Giuseppe Fuschi dedicata a uno dei luoghi simbolo del sisma del 2016. Attraverso il disegno, Fuschi fissa il volto ferito di Arquata del Tronto. Il segno preciso, attraversato da una forte tensione emotiva, non cerca di attenuare ciò che è accaduto. Al contrario, porta lo sguardo su ciò che rimane. Il borgo diventa così molto più di un soggetto paesaggistico: attraverso una visione personale, l’artista restituisce l’immagine di una storia collettiva. Anche il titolo dell’opera introduce un elemento fondamentale. “Il coraggio non trema”. Al movimento incontrollabile della terra viene contrapposta una forma di resistenza che non coincide necessariamente con l’eroismo. È un coraggio silenzioso, una presenza che continua nonostante la ferita. In questo senso, il disegno non cerca consolazione. Restituisce dignità a ciò che rimane. L’opera, proveniente da collezione privata, porta così con sé il peso e la memoria di un momento che ha segnato profondamente la storia recente del Centro Italia. [SCOPRI “IL CORAGGIO NON TREMA, ARQUATA DEL TRONTO” →] Dieci anni dopo, l’arte continua a ricordare A dieci anni dal terremoto del 24 agosto 2016, ricordare significa tornare alle persone e ai luoghi che quella notte ha cambiato per sempre. Ma significa anche osservare le tracce che un evento lascia nella cultura e nelle immagini. “Il coraggio non trema, Arquata del Tronto” appartiene a questa dimensione della memoria: quella in cui un luogo non viene semplicemente rappresentato, ma continua a esistere attraverso lo sguardo di chi lo racconta. Perché l’arte non può restituire ciò che è andato perduto. Può però conservarne una traccia, trasformarla in testimonianza e continuare a interrogarci anche a distanza di anni.
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