Giuseppe Minaya - Al limite del bosco

Sono nato a Pisticci in provincia di Matera nel 1936 e dopo aver compiuto gli studi classici, alla fine degli anni cinquanta mi sono trasferito a Roma dove ho frequentato un corso di grafica pubblicitaria e l’accademia di belle arti iniziando nel contempo a dedicarmi alla pittura ed a partecipare a mostre collettive con pittori che in quel periodo erano già conosciuti ed apprezzati come Carlo Levi, Corrado Cagli, Mino Maccari, Giovanni Omiccioli, Orfeo Tamburi ed altri. Nel frattempo avevo allestito il mio studio in piazzale Flaminio e qui avevo iniziato a dipingere in modo consapevole dando inizio ad una serie di mostre personali ed a frequentare l’ambiente artistico di piazza del popolo dove confluivano tutti gli artisti dell’epoca che davano vita alla felice stagione artistica degli anni sessanta tuttora ricordata ed apprezzata, Trovandomi a pochi passi da via Margutta era naturale che entrassi a far parte del gruppo di artisti che la frequentavano e vi esponevano partecipando, con il mio entusiasmo e le mie opere, a quella festa di colori e di emozioni, frutto di un sentimento boemienne che, dalla famosa strada, si estendeva a tutta la capitale ed al quale partecipavano artisti non disprezzabili che, nel contempo, tenevano le loro personali nelle numerose gallerie che allora fiorivano in tutta la città. L’interesse per la pittura non era, però, nato a Roma ma durante la mia adolescenza, quando, armato di colori e di tele, avevo iniziato a rappresentare soggetti e motivi della mia terra come i calanchi e gli adorati tronchi degli alberi d’olivo che sono stati per lunghi anni il -leitmotiv- della mia pittura di paesaggio. Nello stesso periodo mi interessavo all’approfondimento dell’aspetto grafico della realtà impadronendomi di tutte le tecniche che, a completamento dell’esperienza di grafica pubblicitaria, fossero più vicine ed utili ad un’espressione artistica più pura e più mirata: mi interessavo perciò alla xilografia ed alla linoleografia, alla punta secca, all’acqua forte ed all’acqua tinta producendo con queste tecniche grafiche opere che rappresentavano e testimoniavano chiaramente la mia padronanza del mezzo espressivo. Dopo questa fase che privilegiava l’aspetto grafico delle opere, quindi la forma, il mio interesse si spostava verso l’anima delle creazioni, cioè verso il colore, aspetto meno razionale e più emotivo per qualsiasi immagine che esprime in modo più emozionale l’anima dell’opera stessa. Da quel momento l’interesse per il colore è diventato prevalente nelle mie opere ed ho iniziato a trattarlo con tutti i materiali, secondo il sentimento del soggetto e l’interesse del momento: la tempera, gli inchiostri colorati e l’acquerello trattati durante il periodo della grafica pubblicitaria, hanno, così, lasciato il posto all’uso dell’olio che, contrariamente a quanto può sembrare, è il materiale più docile, completo e facile da usare nell’esecuzione di un quadro ma, nello stesso tempo, più brillante e definitivo rispetto alle tempere ed agli acrilici che hanno solo il vantaggio di asciugare in breve tempo e, quindi, di permettere di dipingere con maggior velocità . L’interesse per il colore mi ha portato ad accostarmi così a scuole e pittori diversi che di questo mezzo facevano il loro punto di forza. Affascinato dalle loro opere e catturato dalla malia che scaturisce da ogni immagine, ho iniziato ad accostarmi prima agli impressionisti ed a Van Gogh e Gaughin in particolare per poi soffermarmi in modo stabile sulla figurazione degli espressionisti, dei pittori del gruppo “cobra” e dell’arte astratta in generale che in questo momento, prevalentemente, dopo aver quasi totalmente abbandonata la pittura figurativa mi permette di esprimermi più liberamente, come in una seconda giovinezza, con un senso di ritrovato entusiasmo. Con un bagaglio tecnico così corposo, ho potuto affrontare le figurazioni più diverse: dai grandi quadri sacri dipinti per le chiese di S, Maria delle Mole e di Amatrice, eseguiti in uno stile figurativo quasi rinascimentale, ai numerosi acquerelli, acrilici ed olii realizzati, nel chiuso dello studio, per le mie mostre o per il puro gusto di dipingere per me stesso ma senza mai copiare o ripetermi e senza assoggettarmi in alcun modo alle richieste di chi vedeva nei miei quadri un puro motivo di lucro. Segno distintivo dei miei quadri è il colore libero usato in maniera espressionista: ognuno è un pezzo unico ed irripetibile ed anche quando tratto più volte lo stesso soggetto, lo faccio per dotarlo di sentimenti e di sapori diversi in un inappagato desiderio di esprimere a pieno il sentimento iniziale che mi ha spinto ad affrontarlo. Ogni quadro è, comunque, un’opera a sè stante, mai seriale, commerciale o di semplice arredamento: la mia opera è l’espressione di un’emozione o di un sentimento che potrà entrare solo nella casa di chi è pervaso dalla stessa sensazione e vuol farla sua come compagna del proprio quotidiano. Ora, alla soglia degli ottant’anni, considerando ormai il sistema delle mostre e del rapporto con le gallerie private qualcosa di desueto ed antiquato, ho deciso, al fine di far conoscere ad un pubblico più vasto le mie opere, di affidarmi alla potenza del web per mostrarle ed offrirle a tutti quelli che vorranno condividere con me il frutto della mia passione per l’arte. Per concludere, chiudo qui questa sintetica presentazione e anche se avrei potuto presentare una lunga serie di esperienze realizzate, lascio queste cose ai critici di professione ed ai venditori di quadri, limitandomi a presentare le mie opere al pubblico che, in piena libertà ed autonomia le possa godere e valutare senza suggerimenti interessati perché l’arte è una cosa soggettiva ed in questo modo va trattata, cioè con la massima serietà e sincerità.

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