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Massimo Fagioli nos ha dejado
Massimo Fagioli, psiquiatra de Análisis Colectivo, fallecido esta mañana a los 85 años, dedicó toda su vida a investigar el nacimiento y los orígenes del pensamiento humano. La vida humana tiene un principio y un fin, afirmó. Massimo Fagioli, psiquiatra de Análisis Colectivo, fallecido esta mañana a los 85 años en Roma, dedicó toda su vida a investigar el nacimiento y los orígenes del pensamiento humano. Fagioli nació en Monte Giberto en 1931, en la provincia de Ascoli Piceno. Autor de 23 libros, es conocido principalmente por "Instinto de Muerte y Conocimiento", su obra maestra teórica, escrita en 1970. Se han publicado decenas de miles de ejemplares de su obra, que se ha traducido a numerosos idiomas. Esta obra abarca los descubrimientos fundamentales de la Teoría del Nacimiento, con la que el psiquiatra revolucionó radicalmente el conocimiento de la mente humana, comenzando por el descubrimiento del origen biológico del inconsciente. El sábado 18 de febrero, a partir de las 10:00 h, se rendirá homenaje a Massimo Fagioli en Via Roma Libera 23, Trastevere, donde durante cuarenta y un años impartió sus seminarios de Analisi collettiva, sesiones de psicoterapia grupal originales y únicas, ofrecidas gratuitamente y sin distinción a miles de personas. El sitio web The Left, revista para la que el psiquiatra edita la columna "Transformación" desde 2006, también dedica un extenso homenaje a Fagioli. Médico especialista en neuropsiquiatría en Módena, Fagioli se licenció en Medicina y Cirugía por la Universidad de Roma. Empezó esta carrera por la necesidad de comprender la psique humana, una búsqueda que comenzó en su adolescencia, tras servir de niño en la región de Las Marcas junto a partisanos en la Guerra de Resistencia y su padre, médico de campaña. Llega a Venecia, al antiguo manicomio de la isla de San Clemente, donde tiene su primer contacto con enfermos crónicos, las salas blancas y los tratamientos de electroshock. En los viejos historiales médicos de la biblioteca, descubre que dos palabras prevalecen en las descripciones de los enfermos mentales: «estúpido, sin emociones». De las angustiosas prácticas de la psiquiatría del siglo XIX, que buscaba respuestas en cortes cerebrales, Fagioli se trasladó al hospital psiquiátrico de Padua. Aquí, la práctica de una clínica sofisticada y el abordaje de enfermedades graves con métodos vanguardistas para la época, incluida la terapia con insulina, le brindaron la oportunidad de realizar sus primeras experiencias de psiquiatría activa con grupos de pacientes, a quienes el joven médico podía llevar a pasear por la ciudad, derribando así los muros del manicomio. A principios de la década de 1960, la investigación de Fagioli sobre las causas de las enfermedades mentales se desplazó hacia el inconsciente, lo que lo llevó a la Clínica Bellevue de Binswanger en Kreuzlingen, Suiza, donde dirigió la comunidad terapéutica italoparlante, conviviendo día y noche con los pacientes sin mediación. Sólo después de un largo análisis personal y de unos diez años como analista con una práctica médica de terapia individual, en 1971 propuso a los círculos científicos los resultados de sus experiencias y su formación en el libro Instinto de muerte y conocimiento, escrito en 1970, publicado en una nueva edición por L'asino d'oro en 2010 y posteriormente también en alemán, cuarenta años después, en 2011, por la editorial Stroemfeld (Todestrieb und Erkenntnis). El libro contiene los fundamentos de la Teoría del Nacimiento, según la cual el pensamiento humano comienza al nacer con la reacción a la luz, a través de la retina, del cuerpo del recién nacido: descubrimientos desarrollados más tarde en La marioneta y el Burattino y Teoría del nacimiento y de la castración humana, de 1974, publicado entre finales del mismo año y 1975. Desde 1975 Fagioli ha respondido a la demanda de psicoterapia de cientos de personas y ha formado, primero en el Instituto de Psiquiatría de la Universidad de Roma La Sapienza y luego en una gran consulta privada en Trastevere (1980), los seminarios de Análisis Colectivo, una práctica de tratamiento para la curación de enfermedades mentales, basada en la interpretación de los sueños, que continúa como investigación sobre la realidad humana y su evolución. Su cuarto volumen de entrevistas, Bambino donna e trasformazione dell'uomo, se publicó en 1979. Fagioli continuó desarrollando y profundizando los fundamentos teóricos de 1970-74 en una serie de otros escritos sobre psiquiatría y a través de expresiones libres en el campo artístico. En 1997 dirigió Il cielo della luna (La luz de la luna), seguida de Me'lange (1999) y La psichiatria, esiste? (¿Existe la psiquiatría?) (2002). La revista de psiquiatría y psicoterapia Il sogno della farfalla (El sueño de la mariposa), que celebró su vigésimo aniversario en 2012, hace referencia a su trabajo teórico y práctica. Además de los volúmenes fundamentales sobre la teoría del nacimiento (Instinto de muerte y conocimiento, La marioneta y el títere, La teoría del nacimiento y la castración humana, Niño, mujer y la transformación del hombre), sus otros títulos son: Storia di una ricerca (Lezioni 2002), Una vita irrazionale (Lezioni 2006), Das Unbewusste. Lo incognoscible (Conferencias 2003), Fantasía de desaparición (Conferencias 2007), Izquierda 2006, Izquierda 2007, Nuevo pensamiento (Conferencias 2004), Izquierda 2008, El hombre en el patio (Conferencias 2005), Izquierda 2009, Séptimo año (Conferencias 2008), Izquierda 2010, Religión, razón y libertad (Conferencias 2009), Izquierda 2011, La idea del nacimiento humano (Conferencias 2010) e Izquierda 2012.
Mujeres y arte - Tracey Emin
1963 en Londres, Inglaterra: vive y trabaja en Londres. Probablemente han surgido más leyendas en torno a Tracey Emin que en torno a cualquier otra artista que emergió en la escena en la década de 1990 bajo el sello Young British Art. Historias de su abandono escolar, trabajos precarios, vida sexual desenfrenada y todos los traumas que conlleva —como perder la virginidad a los 13 años en lo que prácticamente fue una violación— aparecieron por todas partes, no solo en revistas de arte. Lectores y espectadores fueron informados de muertes fetales, abuso de alcohol y apariciones televisivas escandalosas. Estos relatos de lujuria y dolor fueron alimentados por el propio arte de Tracey Emin, una explotación despiadada de su propia biografía, cuya inmediatez aparentemente exhibicionista puede resultar impactante. El espectador se convierte en un voyeur involuntario que puede satisfacer su deseo de lo sensacional de una manera que de otro modo solo podrían ofrecer los medios de comunicación; pero Tracey Emin también puede ofrecer algo que los medios de comunicación no pueden, ya que un análisis más detallado de su arte revela un mundo poético y definido con precisión, evidentemente auténtico, capaz de proyectar a una persona en su propia vida y sus problemas. Lo individual y lo universal, lo íntimo y lo público, se entrelazan continuamente en la obra de Tracey Emin. Dentro de este campo de fuerza, la artista logra entablar un discurso convincente sobre emociones y deseos que anima al espectador y sus aspiraciones a regresar al mundo del arte, por lo demás árido, académico y "cosificado". Es precisamente aquí donde reside el aspecto político del arte de Tracey Emin. La forma en que ciertos eventos de su biografía se conectan con la experiencia, la memoria y las preocupaciones actuales de la comunidad se revela en Everyone I Have Ever Slept With From 1963-1995. Tracey Emin cubrió las paredes interiores de una pequeña tienda de campaña iglú con letras recortadas de colores que formaban los nombres de quienes habían compartido su cama a lo largo de los años.
Mujeres y arte - Frida Kahlo
Frida Kahlo 1907 - 1954 en Coyocán, México Frida Kahlo logró crear un lenguaje visual universalmente comprensible que combina el arte naif, el realismo y el surrealismo. La obra de esta artista mexicana de renombre internacional, nacida en 1907, incluye más de 200 pinturas, en su mayoría autorretratos de pequeño formato. Estos, al igual que sus bodegones y retratos de animales, revelan una notable fuerza expresiva y una minuciosa atención al detalle. Sus obras son a menudo un testimonio desgarrador de su sufrimiento físico y mental, y revelan una inmediatez desconcertante que las hace inolvidables. De niña, Frida Kahlo estuvo postrada en cama durante nueve meses debido a la polio, lo que le provocó una grave deformidad en el pie. A los 18 años, sufrió un accidente automovilístico. El autobús en el que viajaba chocó contra un tranvía, y Kahlo fue empalada por un poste de metal, fracturándose la columna vertebral, la pelvis y las piernas. Permaneció hospitalizada un mes y luego tuvo que usar una escayola durante nueve meses más. Durante su estancia en el hospital, Kahlo comenzó a dibujar y pintar: primero el accidente, luego a sí misma. Su primer autorretrato, que data de 1926, la representa en una pose heroica. Le siguieron muchos otros, de los cuales más tarde dijo que se pintó a sí misma porque, al pasar tanto tiempo sola, era el tema que mejor conocía. Su vida fue una lucha constante contra la muerte, un destino cruel al que nunca se resignó, pero que fue una dura prueba para ella. Aunque Frida Kahlo estuvo en contacto con los surrealistas parisinos (especialmente André Breton ) y muchos críticos la consideraban surrealista, ella declaró: «No sabía que era surrealista hasta que André Breton vino a México y me lo dijo». Sin embargo, nunca aceptó esta definición. «Nunca pinté sueños. Lo que retraté fue mi realidad». Sus pinturas son imágenes internas de la realidad externa. Aunque su arte se basa en elementos de su biografía, el espectador puede comprender e interpretar sus temas, formas, patrones y símbolos. La franqueza irreductible y la inmediatez con la que afronta su destino en obras que logran hacer tangible su angustia conmueven al espectador. Y, a pesar de la diferencia de la que habla, sus imágenes siempre están vinculadas a motivos más amplios y universales. (Ulrike Lehmann)
Mujeres y arte - Louise Bourgeois
1911 en París – Nueva York, 31 de mayo de 2010: fue una escultora y artista francesa, vivió en Nueva York Un estrecho pasillo conduce a una sala poligonal cuyas paredes, que recuerdan a un patrón, están formadas por puertas. En su interior se encuentra una densa conglomeración de grandes carretes rojos y azul claro sobre soportes, objetos en espiral y fragmentos de cuerpos de vidrio incoloros, dos pequeñas maletas, una lámpara de queroseno y dos botellas llenas de monedas; una escalera roja se apoya contra la pared y un objeto con forma de lágrima cuelga de uno de los portacarretes. En una de las puertas hay una ventana tras la cual está escrita la palabra " privado " con letras desgastadas. La densa atmósfera de Habitación Roja ( Niño ), de Louise Bourgeois (1994), se crea mediante la lógica inquietantemente enigmática de los objetos y artefactos encontrados y las estructuras informalmente intangibles de los luminosos carretes de vidrio rojo. La Habitación Roja contiene muchos de los motivos y metáforas explorados por Louise Bourgeois durante décadas: la habitación claustrofóbica que evoca un escondite o el interior del cuerpo, partes de objetos surrealistas que semejan órganos, una escalera demasiado corta para permitir la salida de la habitación y carretes de hilo que recuerdan la infancia de la artista. El letrero que dice " privado " sugiere que se trata de un lugar de reminiscencia personal y que trabajar con elementos autobiográficos representa un proceso central en la obra creativa de la artista. La obra de Louise Bourgeois, en la que el dominio de un vocabulario escultórico formal está inextricablemente ligado a un contenido complejo y codificado, ha permanecido abierta a las proyecciones de sus críticos, al tiempo que fomenta la interpretación biográfica a través de numerosas declaraciones verbales y escritas. Así, la construcción de la memoria se convierte en un motivo central en su obra. La familia de Louise Bourgeois regentaba un taller de restauración de tapices antiguos en la localidad francesa de Choisy-le-Roi. Al reconocer su talento, sus padres le encargaron el dibujo de las secciones faltantes de los tapices y la creación de cartones para su reparación. Bourgeois estudió entonces matemáticas en la Sorbona. Desde mediados de la década de 1930, asistió a varias escuelas de arte, llegando finalmente a Fernand Léger . Se casó con el historiador de arte estadounidense Robert Goldwater y en 1938 se trasladó a Nueva York, donde continuó sus estudios de arte hasta 1940 en la Art Students League, tras lo cual comenzó a pintar. Uno de sus primeros grupos de obras fue Femmes Maison , figuras femeninas cuyos cuerpos estaban hechos en parte de una casa, una referencia al estatus social de la mujer y su asignación al territorio doméstico. Bourgeois exploró el mismo tema en la escultura. Desde mediados de la década de 1940, creó los llamados Personajes , figuras similares a estelas que evocan artefactos totémicos de culturas tribales, mientras que en la década de 1950 creó una serie de esculturas antropomórficas compuestas por elementos similares montados sobre una varilla, que representan no solo objetos que recuerdan a la escultura de Brancusi, sino también principios seriales minimalistas como los que se encuentran en las primeras obras de Carl Andre. En los años siguientes, Louise Bourgeois experimentó con materiales inusuales como el látex, el caucho, el yeso y el hormigón. A principios de la década de 1960, profundizó en su temática doméstica con Guaridas - formas. Fluido , espiral o laberíntico, que generalmente se abre a un espacio interior vacío. Al igual que las guaridas , también Sus delicados paisajes siguen los principios de un enfoque orgánico y antiformalista. Una materialidad casi carnosa hace que obras de látex como Double Negative (1963) se asemejen a paisajes viscerales cuyo interior parece haber sido invertido. Formas esféricas con forma de hongo brotan de bases fluidas, imposibilitando su identificación inequívoca y sugiriendo, en cambio, los múltiples pechos de la Artemisa de Éfeso, o formas fálicas. Como muchas de las formas sexualmente sugerentes de Louise Bourgeois, estas no son claramente "masculinas" o "femeninas". Incluso Filette (Niña), 1968 —un gran falo hecho de latas con el que Louise Bourgeois fue fotografiada por Robert Mapplethorpe en 1982 en una pose encantadoramente provocativa— hipertrofia la forma fálica además de la rotunda.
Marina Abramovic, «El espacio intermedio»
Marina Abramovic, «El espacio intermedio» Viaje espiritual a Brasil Las Imágenes El artista serbio viajó al país sudamericano para explorar la relación entre la creatividad y la espiritualidad, un viaje emocional lleno de encuentros y revelaciones sorprendentes. Estoy en Abadiânia. Esta es mi habitación. Esta es la cama donde dormiré un rato. Vine a Brasil en busca de "lugares de poder" y personas con cierta energía. Por "lugares de poder", me refiero a cascadas, árboles, paisajes, ríos, plantas, pájaros, insectos. Donde el cielo es vasto y está lleno de nubes. Donde, cuando la lluvia llega de repente, cesa de inmediato. Donde se puede respirar profundamente. Y cuando digo personas con cierta energía, me refiero a quienes han aprendido a extraer energía tanto de dentro como de fuera, a transformarla y desarrollarla en quienes no pueden hacerlo. Durante su viaje a Brasil, Marina Abramovic llevó un diario en el que detalló sus experiencias. Las impresiones de la artista sobre Abadiânia, donde conoció al médium João de Deus, revelan un profundo proceso de descubrimiento.
Mujeres y arte - Vanessa Beecroft
Vanessa Beecroft 1969 Génova, Italia: vive y trabaja en Nueva York (NY), EE. UU. Vanessa Beecroft "pinta" retratos tridimensionales, tanto grupales como individuales, de niñas y mujeres reales. Ocupan un espacio específico durante un período de tiempo específico; la artista las viste, generalmente con poca ropa; a menudo llevan pelucas y nunca entran en contacto con el público. El resultado es una atmósfera extrañamente fría y misteriosa, que hace que el espectador se sienta tan fuera de lugar como las propias chicas, que apenas se mueven y parecen simplemente esperar algo. "Me interesa la relación entre las figuras humanas como mujeres reales y su función como obras de arte e imágenes", explica la artista. El arte de Vanessa Beecroft es difícil de clasificar. ¿Son performances o " esculturas vivientes ", como las de los ingleses Gilbert & George, una forma moderna de retrato, o bodegones psicológicos compuestos con sujetos vivos? La pregunta sigue abierta. En una de sus primeras exposiciones, celebrada en Colonia en 1994, Vanessa Beecroft presentó a 30 chicas en una sala de exposiciones a la que el público no tenía acceso. El evento era visible únicamente a través de una ventana rectangular que daba la impresión de mirar por una mirilla. Todas las chicas tenían figuras similares, no atléticas, y vestían zapatos y medias negras, ropa interior gris y camisetas negras o grises. Su uniforme creaba una impactante composición visual en el espacio, complementada por pelucas amarillas, algunas con trenzas, otras sin ellas. Algunas estaban sentadas, aparentemente enfurruñadas, otras apoyadas contra las paredes, y otras paseaban lentamente de un lado a otro. Ninguna parecía esperar realmente que ocurriera nada; en lugar de un lapso de tiempo lleno de acción, solo había una duración aburrida. El título de la obra era revelador: Un sueño rubio . El evento, concebido para celebrarse en una galería en Alemania, aludía explícitamente al cliché de la "belleza aria", tan extendido durante el Tercer Reich.
Mujeres y arte - Ghada Amer
Ghada Amer 1963 en El Cairo, Egipto; vive en París, Francia y Nueva York (NY) EE. UU. Ghada Amer no crea sus pinturas con pinceles y colores, sino con aguja e hilo, que utiliza para crear superficies densas que recuerdan a las pinturas de Brice Marden , Alberto Giacometti y Cy Twombly . Sin embargo, a pesar de su aparente similitud material, las imágenes representan figuras femeninas lascivas, quizás incluso pornográficas, que se revelan gradualmente a medida que el espectador estudia la intrincada, cuidadosamente construida y poderosamente dramática superficie. Un fenómeno inmaterial que de repente adquiere presencia física. Las figuras se multiplican en el lienzo, duplicándose, triplicándose, cuadruplicándose; con las piernas abiertas, los triángulos de su vello púbico representados con los colores del arcoíris, como si un pasatiempo típicamente femenino jugara consigo mismo. Una interminable cadena de mujeres masturbándose, veladas por una masa de algodón y largos hilos colgantes, intentando evitar la mirada indiscreta y curiosa del espectador. Nacida en Egipto, Amer estudió pintura y escultura en Francia y decidió establecerse en París. Su obra denuncia la visión occidental de la mujer, reducida a objetos sexuales. Gradual, sutil e insidiosamente, la artista desafía las imágenes convencionales de hombres y mujeres. La efectividad de sus obras depende en parte de su ambivalencia: al observarlas, uno se pregunta si buscan el placer voyerista o simplemente frustrar las expectativas del espectador. Las primeras obras de la artista, creadas a principios de la década de 1990, se inspiraron en los patrones de vestidos de las revistas femeninas. Su interés residía en su modelo a seguir, el estereotipo que inconscientemente damos por sentado. El inconsciente es notoriamente oscuro: ¿cómo podemos representar su funcionamiento? Esta es una pregunta a la que el artista árabe-francés ofrece una respuesta contundente, creando escenas pornográficas en serie que desafían la lógica masculina dominante al oponerle su propio reflejo. Su imaginería (repertorio artístico) satisface los criterios de transparencia e inmediatez que se logran mediante un psicoanálisis eficaz.
Mujeres y arte - Marina Abramovic
Marina Abramović 1946 en Belgrado, Yugoslavia: vive y trabaja en Ámsterdam, Países Bajos Cuando Marina Abramovic y su pareja Ulay llegaron a la ciudad china de Er Lag Shan el 27 de junio de 1988, habían recorrido 2.000 kilómetros (la longitud total de la Gran Muralla ) en 90 días para este encuentro en el fin del mundo. También fue su último trabajo colaborativo como artistas y como pareja. Con esta performance, titulada The Lovers (Los amantes) , Abramovic y Ulay transformaron la experiencia personal del final de su viaje compartido en una simple performance escenificada en una ubicación geográfica real. Habían caminado uno hacia el otro desde extremos opuestos de la Gran Muralla solo para separarse de nuevo, para siempre. Interpretada como una geometría del amor, la dolorosa separación de sus biografías aparece como un resultado inevitable de una ley de la vida. Desde 1976, Abramovic y Ulay habían colaborado en obras en las que su relación simbólica se asumía como la base de experiencias existenciales: en la performance Breaking In/Breaking Out (1977), con las fosas nasales bloqueadas por colillas de cigarrillos, intercambiaron aliento hasta quedarse sin oxígeno; en Interruption Space (1977), tomaron impulso para estrellarse repetidamente contra una pared hasta quedar exhaustos; en Light/Dark (1977), se abofetearon hasta que uno de ellos se detuvo. El objetivo de estos ejercicios era someter al cuerpo a estados físicos extremos y poner a prueba sus límites. La reacción del público fue un componente clave de esta autoexperiencia física, ya fuera en forma de atención mental o intervención concreta, como en el caso de la performance Incision (1978), durante la cual Abramovic fue atacada por un espectador. Sin embargo, para la serie de performances Nightsea Crossing , 1981–86, los participantes fueron cuidadosamente seleccionados. Marina Abramovic estaba principalmente interesada en la intersección de la historia política e individual, por lo que ella y Ulay usaron su cumpleaños compartido como ocasión para una performance: Communist Body—Fascist Body . El 30 de noviembre de 1979, invitaron a algunos amigos a su apartamento para celebrar; los invitados encontraron a Abramovic y Ulay acostados en un colchón, durmiendo o fingiendo estar dormidos, con dos mesas dispuestas a su lado, con platos, champán y caviar de sus respectivos países de origen. La performance ilustró los detalles de dos biografías marcadas involuntariamente por una dictadura: el certificado de nacimiento de Marina tenía un sello oficial con una estrella roja, el de Ulay con una esvástica.
INVERTIR EN ARTE CONTEMPORÁNEO - Cómo orientarse al comprar
Cómo orientarse en la compra Para adquirir una obra de arte es imprescindible seguir unas sencillas reglas: Conociendo la historia del arte ; Visita los museos y exposiciones de arte contemporáneo más importantes; Visitando galerías de moda Leer revistas especializadas; Siga atentamente los catálogos de subastas propuestos periódicamente Si bien estas son pautas generales, es evidente que antes de aventurarse en el mercado del arte, es necesario establecer cuidadosamente un presupuesto y basar sus decisiones en él. La cantidad destinada al arte nunca debe superar el 20 % de sus activos, y no es necesario contar con grandes sumas de dinero; contrariamente a la creencia popular, se pueden realizar excelentes compras a partir de 2000-3000 €. Un error muy común es dejarse llevar únicamente por el nombre del artista. Toda compra debe tener en cuenta la calidad y ser plenamente consciente de la trayectoria creativa del artista, ya que cada pintor expresó su mejor talento en un período relativamente limitado de su vida. Si tuvieron éxito, se comportaron como replicantes, repitiendo la misma obra una y otra vez. También es importante comprender que un mismo artista tiene un rango de precios prácticamente ilimitado. En resumen, para realizar una buena compra, es necesario estar familiarizado con los precios, tener un conocimiento específico del artista que le interesa y, sobre todo, comprar en fuentes fiables. En resumen, para realizar una buena compra es necesario: Garantizar la autenticidad de las obras ; Elige al artista según tu presupuesto ; Conocer, al menos a grandes rasgos, la historia del arte ; Analizar cuidadosamente el proceso creativo del artista ; Asistir a exposiciones, museos y galerías especializadas ; Tenga cuidado con los temas; Compruebe cuidadosamente los precios de la subasta ; No te dejes engañar por el nombre altisonante del artista; No hay que pasar por alto a los artistas considerados menores o a los jóvenes artistas emergentes.