Augustin Terwesten - Las Tres Gracias

El tema de las “Tres Gracias” está muy extendido en la producción artística occidental. Obtenido de la mitología romana, comienza a aparecer, tanto en la pintura como en la escultura, a partir de la época humanista y renacentista, en el momento en que los artistas recurrían a los modelos de la antigüedad clásica. Entre los ejemplos más famosos podemos citar la celebérrima interpretación que dio Sandro Botticelli en su “Primavera”. El tema está presente en todas las corrientes artísticas que se remitieron al clasicismo: recordemos, por ejemplo, la obra maestra neoclásica del escultor Antonio Canova sobre el mismo tema. Las tres Gracias son siempre representadas como tres jóvenes doncellas desnudas que se toman de la mano o se abrazan. La religión romana calcó el mito de las tres Gracias sobre el
griego de las Cárites, quienes según Hesíodo eran Aglaia, el esplendor; Eufrósine, la alegría; y Talía, la prosperidad. Ellas, por tanto, son una representación augural de la plenitud de la vida y de la felicidad que todo ser humano debería encarnar.

Desde el punto de vista del estilo y de la concepción compositiva, la obra presenta diversos aspectos muy interesantes. Se trata de un cuadro compuesto según una concepción fuertemente clasicista reelaborada en la época del siglo XVII. El fuerte componente clasicista es rastreable, como hemos visto, ante todo por el tema, extraído de la mitología grecorromana, pero también es reconocible en la composición. De hecho, la obra está estructurada según una perfecta visión central y simétrica, en la cual la disposición de las tres Gracias (según el esquema tradicional por el cual dos están vueltas hacia el público, mientras que la central está de espaldas) se obtiene mediante una armónica correspondencia de gestos. Además, también desde el punto de vista formal, hay una ostentada exaltación de los valores plásticos en la construcción de volúmenes escultóricos, reconocible en las anatomías compactas y en la descripción de los complicados drapeados. Es más, en este sentido notamos una tendencia del artista hacia una nitidez de los volúmenes y a evitar efectos demasiado acentuados de pintoresquismo o atmosferismo que corroan las formas. Esto resulta, de algún modo, en controtendencia con la época en la que la obra fue pintada, dado el acentuado pintoresquismo típico del arte barroco y de las otras corrientes del siglo XVII. Notamos, de hecho, en este pintor un fuerte residuo de una concepción manierista del hacer pictórico, reconocible sobre todo en un cierto alargamiento antinatural de las formas. Sin embargo, no hay duda de que la obra es del siglo XVII dada el aura de magnilocuente austeridad que conforma toda su concepción. Muy indicativo, en este sentido, es la prevalencia de un cromatismo oscuro y el fondo negro, descontextualizado, del cual emergen las figuras. Desde el punto de vista formal, el artista muestra poseer una grandísima técnica pictórica que podemos constatar en la suavidad del toque con el cual son delineadas las estatuarias anatomías, vivificadas por un intenso juego de luces y sombras.

La obra ha sido atribuida a Augustin Terwesten, pintor holandés nacido en La Haya en 1649 y fallecido en Berlín en 1711. Fue pintor en la corte del Príncipe Elector de Brandeburgo, Federico Guillermo. Conocido precisamente por sus temas inspirados en la historia y en la mitología clásica, su formación se desarrolló también en Italia, donde residió en Roma de 1675 a 1677 y en Florencia y Venecia en 1678. En estas ciudades, Terwesten tuvo la oportunidad de estudiar y copiar las grandes obras maestras de los maestros del Renacimiento italiano, de modo que en su trasfondo flamenco vino a injertarse un fuerte componente clasicista, tanto desde el punto de vista iconográfico como formal. Precisamente la unión del componente flamenco con el clasicista creó esa particular manera estilística que podemos reconocer también en nuestra obra, por la cual el artista busca la exaltación plástica de volúmenes y formas estatuarias en una ejecución compacta que rehúye de pintoresquismos demasiado acentuados en una suerte de reapropiación seiscentista del Manierismo.

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