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El Azul: entre eclipse y dominio

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El azul se hace querer por todos: no busca llamar la atención y, a primera vista, parece un color humilde. Acompaña, respalda, es el color del mar y del cielo. Es tan omnipresente que a veces ni siquiera lo notamos, pero, al mismo tiempo, se ha convertido en un color central y simbólico. Hubo un momento histórico en la antigüedad en el que apenas se apreciaba: solo los egipcios lo amaban, considerándolo un amuleto para el más allá. Es solo mucho después cuando el azul logra imponerse: hoy son azules los vaqueros y las camisas, es el color de la bandera europea, de la ONU y de la UNESCO. 

Quizás el motivo de su escaso éxito inicial se deba precisamente a la dificultad de producir el pigmento. Los egipcios utilizaban una técnica basada en el cobre que hoy hemos perdido, mientras que el lapislázuli y la azurita eran piedras difíciles de conseguir. Para los romanos, a menudo, el azul tenía una connotación negativa: las mujeres de ojos azules eran consideradas de costumbres fáciles, era el color de los "bárbaros" y, cuando las lenguas romances buscaron una terminología precisa para definirlo, tuvieron que recurrir a lenguas extranjeras: del germánico "blau" y del árabe "azraq". Incluso en la primera época cristiana, en tiempos de los carolingios, los colores litúrgicos excluían el azul.

Todo cambia entre los siglos XII y XIII gracias a un cambio de mentalidad dentro de la religión católica. En la Catedral de Saint-Denis, el abad Suger hace realizar vidrieras con azul cobalto y a partir de ahí la tendencia se expande. Además, precisamente desde el siglo XII, con el nacimiento de la heráldica y la necesidad de "catalogar" a las personas, ya no se podía uno conformar solo con el rojo, el negro y el blanco: entran así en juego el verde, el amarillo y el azul. Al mismo tiempo, la principal promotora de este color se convierte en la Virgen María, la "Regina Coeli" ceñida por un manto azul que alude al reino de los cielos. Dado que la Virgen viste de azul, pronto empiezan a hacerlo también los reyes de Francia, imitados por la aristocracia. Esto estimula a los tintoreros a buscar nuevas técnicas, lo que conlleva importantes consecuencias económicas. Piense que el país de Cucaña es una metáfora que nace en esa época, cuando en Francia se producen con el glasto las coques, unas bolas de color azul. De hecho, los comerciantes de glasto fueron tan ricos que pagaron aproximadamente el 80% de la construcción de la Catedral de Amiens. 

La paleta de los pintores se ve nuevamente sacudida por la escisión entre la Iglesia católica y la protestante. Los pintores reformados suelen preferir una gama más sobria y tonos neutros: basta con comparar a Rembrandt, calvinista, con Rubens, católico, u observar la obra de Philippe de Champaigne, cuya paleta cambia junto con su fe.

En el siglo XVIII, finalmente, se descubre el azul de Prusia, que permite diversificar las tonalidades oscuras, y se empieza a importar el añil. En Francia, el azul se convierte en el color de los republicanos, en oposición al blanco monárquico. 

Pastoureau llega incluso a definirlo como un color "hipócrita": no molesta y es aceptado universalmente por todos. Nos rodea, es el color de las banderas de todos los países occidentales, el color de las personas de bien que no quieren exponerse demasiado.

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A orillas del río modela pequeñas esculturas de arcilla, experimentando espontáneamente la relación entre las manos y la materia. Incluso los juegos infantiles revelan ya una sensibilidad estética particular: los vestidos realizados para las muñecas se vuelven suntuosos y de cuento, expresión de un imaginario orientado a la belleza. Estas experiencias no representan solamente un recuerdo biográfico, sino que constituyen el primer núcleo de su poética. El cuidado por el detalle, el contacto con los elementos naturales y el placer de la transformación manual continuarán, de hecho, reapareciendo en las diversas fases de su producción. De la moda al descubrimiento de la pintura A los quince años Vanessa Silva se traslada a Italia y entra en el mundo de la moda, trabajando como modelo y viajando por diferentes países. El contacto con imágenes, vestidos y códigos estéticos amplía su mirada, sin agotar, sin embargo, la necesidad de encontrar un lenguaje más íntimo y personal. 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Pino Pinelli fue uno de los mayores protagonistas de la Pintura Analítica italiana. A través del color, la materia y la fragmentación de la superficie, el artista superó los límites tradicionales del cuadro, transformando la pintura en una presencia física capaz de dialogar con el espacio. Quién era Pino Pinelli Pino Pinelli, de nombre real Giuseppe Pinelli, nació en Catania en 1938. Tras su formación inicial en Sicilia, a principios de los años sesenta se trasladó a Milán, ciudad que entonces atravesaba una intensa temporada de experimentación artística. En la capital lombarda entró en contacto con un ambiente cultural animado por las investigaciones de artistas como Lucio Fontana, Piero Manzoni, Enrico Castellani y Agostino Bonalumi. Estas experiencias contribuyeron a la maduración de un lenguaje personal, fundado en el análisis de los elementos esenciales de la pintura: el color, la materia, la superficie y el espacio. En 1968 presentó su primera exposición individual en la Galleria Bergamini de Milán. Durante los años setenta su investigación se desarrolló en el ámbito de la Pintura Analítica, corriente que sitúa en el centro de la obra no la representación de la realidad, sino la reflexión sobre el hacer pictórico. Pino Pinelli falleció en Milán en 2024, dejando un recorrido artístico de más de cincuenta años y una contribución fundamental a la historia del arte contemporáneo italiano. Pino Pinelli y la Pintura Analítica Para comprender el arte de Pino Pinelli es necesario partir de la Pintura Analítica, una de las experiencias más significativas desarrolladas en Italia en los años setenta. Los artistas vinculados a esta corriente vuelven a interrogarse sobre la naturaleza misma de la pintura. En el centro de su investigación no hay figuras, paisajes o narraciones, sino los elementos que constituyen materialmente un cuadro: el soporte, el color, la superficie, el gesto y el proceso de realización. Pino Pinelli participa en esta reflexión con un enfoque profundamente personal. Sus obras son anicónicas, es decir, carecen de imágenes reconocibles, pero no por ello son frías o puramente geométricas. La materia aparece viva, irregular y atravesada por vibraciones, ondulaciones y variaciones luminosas. El color no se emplea para describir algo: se convierte él mismo en el sujeto de la obra. De las Topologías a los Monocromos A principios de los años setenta, Pino Pinelli concentra su atención en la superficie pictórica. Así nacen las series de las Topologías y, posteriormente, de los Monocromos. En estas obras el rectángulo tradicional del lienzo sigue presente, pero la superficie nunca parece inmóvil. El color, aplicado mediante sucesivas veladuras, produce ligeras variaciones y tensiones perceptivas. La pintura parece respirar y transformarse según la luz y el punto de observación. Esta fase constituye un paso decisivo en la investigación del artista. 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Dieci anni dal terremoto del Centro Italia: Arquata del Tronto e l’arte della memoria

Diez años del terremoto del Centro de Italia: Arquata del Tronto y el arte de la memoria

Diez años después del terremoto del Centro de Italia de 2016, el recuerdo también pasa a través del arte. “El coraje no tiembla, Arquata del Tronto” de Giuseppe Fuschi devuelve el rostro herido de uno de los lugares símbolo del seísmo, transformando el dibujo en testimonio de resistencia y memoria. 24 de agosto de 2016: el terremoto que golpeó el Centro de Italia A las 3:36 del 24 de agosto de 2016, un terremoto de magnitud 6.0 golpeó los Apeninos centrales. El epicentro fue localizado cerca de Accumoli, en la provincia de Rieti, pero los efectos afectaron a un territorio mucho más vasto. Entre los centros más duramente afectados estuvieron Amatrice, Accumoli y Arquata del Tronto. Aquella noche marcó el inicio de una larga secuencia sísmica que afectó al Centro de Italia también en los meses sucesivos. El terremoto provocó 299 víctimas y causó daños gravísimos a pueblos enteros y a un patrimonio histórico y cultural construido a lo largo de los siglos. Diez años después, el 24 de agosto de 2026 trae inevitablemente a la memoria a las personas, los lugares y las comunidades marcadas por aquella tragedia. Arquata del Tronto: el rostro de un lugar herido Entre los lugares que se convirtieron en símbolo del terremoto de 2016 está Arquata del Tronto, municipio de Las Marcas en la provincia de Ascoli Piceno. El seísmo modificó profundamente su paisaje. Edificios, calles y lugares familiares fueron destruidos o gravemente dañados, alterando la imagen de un territorio y la relación de la comunidad con sus propios espacios. Pero cuando cambia el rostro de un lugar, lo que queda no pertenece solo a su dimensión física. Quedan las imágenes, los relatos, los testimonios y la memoria de lo que ese lugar ha sido. Y es precisamente aquí donde el arte puede asumir un papel particular: no reconstruir lo que se perdió, sino conservar e interpretar su memoria. Cuando el arte se convierte en memoria La relación entre arte y memoria atraviesa la historia. Los artistas han relatado guerras, catástrofes, transformaciones sociales y eventos colectivos no solo para documentarlos, sino para devolver una visión personal de los mismos. Una obra no es necesariamente una crónica. Puede detener una imagen, interpretar una herida, transformar una experiencia colectiva en un lenguaje capaz de atravesar el tiempo. Cuando el sujeto es un lugar marcado por un evento traumático, incluso el paisaje puede cambiar de significado. Ya no es solo la representación de un espacio: puede convertirse en testimonio, ausencia, presencia y memoria. Es desde esta perspectiva que podemos observar la obra de Giuseppe Fuschi dedicada a Arquata del Tronto. Giuseppe Fuschi, “El coraje no tiembla, Arquata del Tronto” “El coraje no tiembla, Arquata del Tronto” es una obra de Giuseppe Fuschi dedicada a uno de los lugares símbolo del seísmo de 2016. A través del dibujo, Fuschi fija el rostro herido de Arquata del Tronto. El trazo preciso, atravesado por una fuerte tensión emocional, no busca atenuar lo que ha sucedido. Por el contrario, lleva la mirada sobre lo que permanece. El pueblo se convierte así en mucho más que un sujeto paisajístico: a través de una visión personal, el artista devuelve la imagen de una historia colectiva. También el título de la obra introduce un elemento fundamental. “El coraje no tiembla”. Al movimiento incontrolable de la tierra se le contrapone una forma de resistencia que no coincide necesariamente con el heroísmo. Es un coraje silencioso, una presencia que continúa a pesar de la herida. En este sentido, el dibujo no busca consuelo. Devuelve la dignidad a lo que queda. La obra, proveniente de una colección privada, lleva consigo el peso y la memoria de un momento que ha marcado profundamente la historia reciente del Centro de Italia. [DESCUBRE “EL CORAJE NO TIEMBLA, ARQUATA DEL TRONTO” →] Diez años después, el arte sigue recordando Diez años después del terremoto del 24 de agosto de 2016, recordar significa volver a las personas y a los lugares que aquella noche cambió para siempre. Pero también significa observar las huellas que un evento deja en la cultura y en las imágenes. “El coraje no tiembla, Arquata del Tronto” pertenece a esta dimensión de la memoria: aquella en la que un lugar no es simplemente representado, sino que sigue existiendo a través de la mirada de quien lo relata. Porque el arte no puede devolver lo que se ha perdido. Sin embargo, puede conservar una huella, transformarla en testimonio y seguir cuestionándonos incluso después de años.

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